Ahora, con Los abrazos rotos -que acaba de estrenarse en Buenos Aires- se propone un arriesgado juego sobre, precisamente, el rol del director, las variables de la creación artística y todo el universo del cine enmarcado en una revisión del timing de su rutilante producción de los años 80, aunque con la melancolía de aquello que se sabe en un tiempo ido.
Ésta, su decimoséptima película, combina una historia de amor con innegables tonos de filme noir  y una foto que, de real, pasó a ser imaginaria y fruto de un dramático y emocional relato. La instantánea devuelve la imagen de una pareja tan fundida en un abrazo como anónima, en el Golfo de Lanzarote, retratada por Almodóvar en un paseo costero hace una década. También esa foto fue el germen para la confección de un guión sobre un escritor y cineasta ciego (Lluís Homar) que, a causa de un accidente de tránsito, no sólo perdió la vista sino también a la mujer que amaba. Ella (Penélope Cruz) era una aspirante a actriz con una turbia historia personal, que deparará innegables aristas donde el poder, la posesión y el bienestar se entrecruzan con la infelicidad. Así vivía Lena, brindando su mejor sonrisa y una cotidiana actuación puertas adentro.
“El paisaje era impresionante pero lo que me impactó fue el descubrimiento de la pareja abrazada y sola, diminuta frente a la inmensidad del paisaje”, señaló Almodóvar en el momento de presentar internacionalmente su película, para agregar: “Por deformación profesional, (pensando tal vez en la foto del parque londinense de Blow Up, cuya ampliación develaba un cadáver oculto en unos arbustos) imaginé que aquel abrazo furtivo escondía un secreto y que yo tenía la prueba fotográfica de ello”.
Los abrazos rotos es un homenaje al mundo del cine, que viene acrecentándose en las emociones del manchego a partir de La mala educación. Desde las escaleras que fueron determinantes para el glamoroso cine de estudios de los años 40 o la música que, otra vez de la mano de Alberto Iglesias, revisita el estilo de las partituras que el legendario Bernard Herrmann componía para Hitchcock. Así, la película obtiene su marco preferencial dentro del cine negro también gracias a su poderosa fotografía. A su vez, ese clima “hitchcockiano” recuerda por momentos a Vértigo, con la subyugante Kim Novak a quien Jimmy Stewart seguía y observaba siempre a través de espejos, ventanas, puertas y retratos de otro tiempo. La bella era Madeleine pero podía ser otra, gracias a esa distancia que la enmarcaba tan real como imaginaria.